Revista clásica
Publicación Agosto - Septiembre 2026
EN MEMORIA
Queridos amigos: el pasado mes de Mayo nos dejó el querido profesor Miguel Ángel Muñoz a quien tuve el inmenso placer de seguir en sus clases de Historia del Arte en la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires). Sus clases eran un lujo difícilmente superable por la altura de sus conocimientos y sabiduría. Para quienes teníamos la posibilidad de llegar quince minutos antes del comienzo de sus disertaciones, nos esperaba con una exquisita selección de música correspondiente a la época que se trataría ese día. ¡Una maravilla!
A modo de homenaje, deseo compartir con todos ustedes esta charla que brindó el profesor en la biblioteca del Jockey Club y que con tanta generosidad la hacen pública. No he podido sustraerme a mi predilección, admiración y amor por la ciudad de Florencia (Firenze) y esa es la razón por la que seleccioné esta conferencia.
Los invito a sumergirse en este mágico viaje por el arte de la mano del excelso Prof. Miguel Ángel Muñoz.
(Fuente: Canal Cultural del Jockey Club Argentino).
LA MÚSICA DE AYER A HOY
LA MÚSICA PROFANA
Genio incontestable en la historia del madrigal es Claudio Monteverdi (1567-1643). Su obra se convierte en pivote entre el siglo XVI y XVII, lo que significa entre el fin del Renacimiento y el comienzo y la definición del temprano estilo barroco. Pues bien, esa transición se manifiesta de manera luminosa en sus madrigales.
Nacido en Cremona, se formó al lado de Marc Antonio Ingegneri, director de música de la catedral de su ciudad. En 1590 entró al servicio de Vincenzo Gonzaga, duque de Mantua, y es en esa corte donde crea su ópera Orfeo (1607), con la que marca una era, no sólo en el género recién nacido del teatro lírico, sino en el amplio campo de la música instrumental. Desde 1613 hasta su muerte fue maestro de coro en la basílica San Marco de Venecia, ciudad a la que confiere nuevo y fulgurante esplendor.
Las obligaciones de Monteverdi en Venecia no le permitían al principio continuar con la creación de madrigales, pero él había llevado consigo desde Mantua, un grupo de composiciones sobre textos de Petrarca, entre otros, en los cuales partes solísticas se alternan con secciones a cinco voces, todo ello sostenido por un bajo continuo instrumental confiado al arpicordio y a la viola da gamba.
En 1619 avanza mucho más allá de los confines del puro madrigal, con su contenido hecho de composiciones solísticas con elaborado acompañamiento instrumental, de dúos y tríos.
En 1638 agrupa madrigales “guerreros y amorosos”, donde reúne el fruto de muchos años de labor. Allí se ubican composiciones teatrales como “Il ballo delle ingrate” y una de las obras maestras de todos los tiempos, “Il combattimento di Tancredi e Clorinda”, basado en un episodio de la “Jerusalén libertada” de Torcuato Tasso.
(Fuente: “Historia de la Música” – Pola Suárez Urtubey – Ed. Claridad).
(Fuente: @berganzita).
Publicación Mayo - Junio 2026
CAPRICHO ITALIANO
Desde luego, no es ésta una de las mayores composiciones musicales de Tchaikovsky, por el contrario, se la considera una obra menor. Sin embargo contiene toda la hermosura de su música, capaz de crear momentos de aparente serenidad y otros de una fuerza casi arrasadora. ¡Sin lugar a dudas, bellísima!
El autor escribe esta composición en un viaje a Roma, sumido en una depresión importante debido a la pérdida de sus padres y a su propia situación amorosa siempre conflictiva por su homosexualidad. El viaje a Roma, a pesar de su estado anímico, le permitió conocer y gustar de todo el folklore italiano, cuyas pinceladas dejó plasmadas en este Capricho Italiano. ¡Disfruten de esta belleza!
(Fuente: Sinfónica de Galicia - Jesús López Cobos, director).
LA MÚSICA DE AYER A HOY
EL ALTO RENACIMIENTO (1550-1600)
Se producen en esta segunda mitad del siglo XVI los conflictos propios de un cambio importante de sensibilidad, lo que conducirá al Barroco. Esos cambios inciden en la búsqueda de un nuevo ideal sonoro y en sus correspondientes modificaciones en el lenguaje técnico.
Pero nuestra atención ahora, ubicados en la segunda mitad del siglo, se centrará en las transformaciones surgidas en la música religiosa con motivo de los movimientos de la Reforma y la Contrarreforma, para luego seguir el desarrollo del madrigal y otras obras seculares y por último el advenimiento de la música instrumental como género independiente.
Una figura que abarcará algunos de estos aspectos y que prolonga, con su vida y su obra, el internacionalismo de los flamencos es Roland de Lassus u Orlando di Lasso, según su nombre italianizado.
Nacido en Mons hacia 1530, cerca de la actual frontera franco-belga, se educó en Italia y, tras viajar por Francia e Inglaterra, se estableció en Munich en 1556. Fue autor de chansons francesas, flamencas, alemanas, de madrigales italianos y de una muy considerable obra religiosa.
(Fuente: Historia de la Música – Pola Suárez Urtubey – Ed. Claridad).
(Fuente: @MusicHorama.asia-curiosa).
Publicación Agosto - Septiembre 2025
LA VICTORIA DE WELLINGTON
Beethoven: Wellington's Victory, Op. 91 Berliner Philharmoniker • Herbert von Karajan
(Fuente: @greatclassicrecords).
Wellingtons Sieg (en castellano La Victoria de Wellington o también La Batalla de Vitoria), opus 91, es una obra orquestal de Ludwig van Beethoven compuesta en 1813 para celebrar la victoria de las tropas británicas, españolas y portuguesas, comandadas por el duque de Wellington, Sir Arthur Wellesley, sobre el ejército francés en los alrededores de la ciudad de Vitoria el 21 de junio de ese mismo año.
Beethoven, consciente de que se trataba de una pieza menor, calificó la Victoria de Wellington de «estupidez». A pesar de su mediocridad, esta obra fue una de las piezas más célebres durante la vida del compositor. Es una pieza que no se conoce por su totalidad, sino por algunos fragmentos famosos.
La duración de ejecución de la obra es de unos quince minutos. Beethoven introdujo dos temas populares: Marlbrough se va a la guerra (transformado en Mambrú se fue a la guerra por la pronunciación española) para simbolizar Francia, Rule Britannia y God Save the King para simbolizar Inglaterra. 193 disparos de cañón pueden ser escuchados en esta página sinfónica.
La obra fue interpretada por primera vez el 8 de Diciembre de 1813 en Viena y rápidamente se hizo popular entre los asistentes.
Las imágenes que ilustran este video fueron tomadas de la película Waterloo estrenada el 29 de Octubre de 1970 en Italia. Fue una coproducción italo-soviética a cargo de Dino De Laurentis y dirigida por el soviético Serguéi Bondarchuk. La música original que acompañaba la película era de Nino Rota y en los roles principales destacaban: Christopher Plummer como el Duque de Wellington, Rod Steiger como Napoleón Bonaparte y Orson Welles como Luis XVIII.
LA MÚSICA DE AYER A HOY
DIFUSIÓN DE LA ESCUELA DE JOSQUIN
La inmensa fama de Josquin se proyectó durante todo el siglo XVI por medio de sus discípulos directos y de quienes, sin tener un real contacto con él, sintieron la fuerza poderosa de su potente creatividad. A causa de la vida cosmopolita de los músicos renacentistas, el estilo de Josquin se difundió por gran parte de Europa, desde Portugal y España hasta Europa del Este.
De todos los compositores descendientes de la línea de Josquin y ligados a la música veneciana, no hay duda de que sobresalen, como genios auténticamente representativos del espíritu renacentista, Andrea y Giovanni Gabrieli.
Conectados ambos con San Marco, en calidad de organistas, practicaron todos los géneros musicales de su tiempo, con insospechados resultados en la fusión de voces e instrumentos y en la escritura para instrumentos solos, como es el caso de La Battaglia de Andrea, con una sabia polifonía dedicada al timbre cálido de los instrumentos de viento. Se ha visto en el arte de los Gabrieli una réplica perfecta del fasto, la riqueza y la plenitud de vida y color de la República Serenísima que nos entregan los cuadros de Tiziano y Veronese. Salidos de la escuela franco – flamenca, su gloria reside en haber superado la erudición compositiva de sus maestros, para crear algo propio, nacido de su genio individual, pero en gran medida de la idiosincrasia de su ciudad natal, esa Venecia única e irrepetible.
(Fuente: “Historia de la Música” – Pola Suárez Urtubey – Ed. Claridad).
(Fuente: @Nevertalkatdiscos).
Publicación Junio - Julio 2025
EN UN MERCADO PERSA
Con la inmersión de Occidente en Medio Oriente, sobre todo en los siglos XVIII y XIX, la academia dio inicio a una serie de estudios orientales. Esto con la finalidad de comprender la complejidad regional; no obstante, al inicio resultó difícil deslindar la óptica europea de la realidad medio-oriental. Por esto mismo, no es extraño hallar representaciones pictóricas o musicales muy influenciadas por el romanticismo de la época.
Desde una lectura muy a la “Mil y una noches”, aunado al enaltecimiento de los sentimientos por el Romanticismo europeo, varios pintores dieron vida a paisajes desérticos, con bellas y jóvenes odaliscas, que bañando sus cuerpos a la intemperie, disfrutaban de la riqueza y protección de algún influyente sultán. Migrando de la imagen al sonido, este mismo tipo de representaciones e interpretaciones lograron conquistar la rama musical.
En 1920, el afamado compositor, conductor y pianista inglés, Albert William Ketèlbey, compuso una pieza orquestal de música ligera conocida como: “El mercado persa”. En esta pieza, Ketèlbey genera, por medio de instrumentos musicales, la misma exótica y cuasi mítica interpretación que los pintores de la época hacían de Medio Oriente. En un primer momento, posiciona al auditorio frente la llegada de los camelleros, seguido de un cántico de mendigos cuyos lamentos se elevan a Allah; sin tardar mucho la princesa llega con ritmos de dulzura y delicadeza, siendo después fascinada por malabaristas y encantadores de serpientes. Al poco tiempo de su llegada, la solemne entrada del sultán se hace notar, fungiendo como cénit de la pieza, para dar inicio a la retirada de todos los demás personajes en un descendiente anochecer.
Desde sus inicios, el hombre ha encontrado en el arte una vía para resaltar lo trascendental o encantador de la realidad que le envuelve y rodea. En nuestro caso resulta sorprendente como, aunque si bien un tanto inexacto, la música y la pintura del romanticismo lograron resaltar la fascinación europea por su frontera más cercana: Medio Oriente.
(Fuente: Fermín Beguerisse Hormaechea).
(Fuente: solergallardo).
LA MÚSICA DE AYER A HOY
FLANDES
Se dio el nombre de escuela franco-flamenca al núcleo de compositores que vivieron entre la segunda mitad del siglo XV y fines de XVI y procedían de la planicie que va aproximadamente de Saint-Quentin hasta Ámsterdam. Aunque sometidos a la autoridad borgoñona, no participaron del clima suntuoso y festivo de la corte de Dijon.
A través de las distintas generaciones, se mantiene el hábito de enviar a los jóvenes músicos a Italia, cuyo contacto provee a su arte de un soplo de espontaneidad y un internacionalismo que quita a la escuela franco-flamenca todo aspecto de estrechez. La técnica del contrapunto adquiere con ellos niveles incomparables. Son los maestros indiscutibles en el contexto europeo y esa genuina creatividad, basada en la solidez del oficio, los aleja asimismo de esa gracia que en los borgoñones puede rozar la superficialidad, aunque no renuncian al gusto por la ornamentación.
La polifonía flamenca mantiene el uso de las tres voces, pero a partir de ahí se desarrolla una polifonía enteramente vocal que reúne dos, tres y cuatro voces reales, aunque en ciertos casos podrá llegar a seis y más. Conviene aclarar que cuando se habla de voces reales se alude al número de líneas melódicas.
Tres compositores se destacan dentro de la primera generación que llamamos escuela franco-flamenca. Ellos son Jean (o Johannes) Ockeghem, Jacob Obrecht y Josquin des Pres, de quien hablaremos.
Con Josquin des Pres, el Renacimiento alcanza una de sus primeras grandes cumbres. Pocos músicos de su época lograron en vida un renombre semejante al suyo y pocos ejercieron un influjo tan decisivo sobre sus contemporáneos y sobre las generaciones que le siguieron. Juicios de la época lo señalan como “el padre de la música”, dotado de un genio sólo comparable con el de Miguel Ángel.
Josquin nació hacia 1440 cerca de Saint-Quentin, en la ciudad de Beaurevoir, en cuyo coro cantaba de niño. Desde 1473 hasta aproximadamente 1479 fue miembro de la capilla ducal de los Sforza, en Milán. Pasó luego a la capilla papal de Roma y a comienzos de la centuria siguiente estuvo ligado a la corte francesa de Luis XII, antes de desempeñarse en la corte de Ferrara y retornar luego a Francia. Murió en su región natal en 1521.
Dieciocho misas, un centenar de motetes, setenta chansons y otras páginas seculares forman el conjunto de su obra, la cual fue servida con magnificencia por la imprenta musical. Una de las creaciones más difundidas de Josquin es El Grillo en la que cuenta que este insecto, excelente cantor, debe subsistir sólo con una dieta de rocío.
No se tiene una idea aproximada de la importancia de Josquin y de lo que significó su arte al proyectarse sobre los tiempos venideros, si no se enfatiza la importancia que adquiere en su obra la relación de texto y música. Es que su producción muestra la influencia del Humanismo en el sentido de hacer comprensible el texto y de lograr la más perfecta adherencia a la correcta acentuación de las palabras.
Si bien es cierto que se debe a la escuela franco-flamenca, en general, el hábito de reflejar a través de la música el contenido de las palabras, es Josquin el que apresura el desarrollo de este procedimiento, que tendrá una larga vida en la música, como lo prueban los madrigales de Monteverdi y, un siglo más adelante, las pasiones de Bach o, más tarde, los oratorios de Haydn, por citar unos escasos ejemplos.
(Fuente: “Historia de la Música” – Pola Suárez Urtubey – Ed. Claridad).
(Fuente: Voices of Music).
Especial de Navidad de 2024
LA NOVENA
Hola amigos: en este año 2024 se cumplieron 200 años del estreno de la Novena Sinfonía de Beethoven. En su momento tomé la decisión de dejar el homenaje que bien se merece para la última entrega de este año dado que en su cuarto movimiento (coral) nos brinda un conmovedor mensaje de hermandad, de fraternidad. El mismo motivo me llevó a compartir con ustedes la versión grabada por la West-Eastern Divan Orchestra dirigida por Daniel Barenboim, que como todos saben, está integrada por jóvenes palestinos e israelíes. ¡Todo un mensaje!
La Novena es una sinfonía bellísima y vale la pena volver a escucharla nuevamente toda entera. Pero de todos modos dejo a continuación sólo el movimiento coral de menor duración y luego de la explicación, la sinfonía completa.
¡Hago votos para que 2025 sea un año de paz y fraternidad!
Un agradecido saludo. Lili.
(Fuente: @melodiasfamiliares370).
La creación de la Novena Sinfonía
La Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven, también conocida como la “Sinfonía Coral”, es una obra monumental que trasciende el mero ámbito de la música clásica. Compuesta entre 1822 y 1824, Beethoven enfrentaba entonces el desafío de la sordera total. A pesar de su discapacidad, su creatividad y genialidad no conocían límites. Beethoven había expresado su deseo de dejar una obra que transmitiera la esencia del espíritu humano antes de su partida.
La búsqueda de Beethoven por expresar la alegría y la camaradería humana se evidencia en su elección de la «Oda a la Alegría» del poeta Friedrich Schiller como texto para el último movimiento de la sinfonía. Esta oda había resonado en el corazón del compositor durante muchos años, apareciendo incluso en composiciones anteriores como una especie de premonición de la Novena.
Durante la creación de la Novena, Beethoven exploró nuevas dimensiones en la música sinfónica. El bosquejo más temprano que contiene música que aparecería en la Novena data de 1815, cuando la idea de apertura del scherzo ocurre como un sujeto de fuga. Una comisión para una nueva sinfonía de la Sociedad Filarmónica en Londres en 1817 proporcionó un impulso adicional; páginas fechadas en este período contienen ideas que luego se trabajaron en el primer movimiento. Un trabajo más serio se realizó en 1822 con un bosquejo que delineaba la melodía a la que eventualmente se cantaría el comienzo de la Oda de Schiller.
Estreno de la Novena Sinfonía
El estreno de la Novena Sinfonía tuvo lugar el 7 de mayo de 1824 en el Teatro Kärntnertor de Viena. A pesar de su sordera, Beethoven insistió en dirigir la obra. Su actuación fue descrita por las crónicas de la época como conmovedora pero caótica, ya que el compositor estaba fuera de sincronía con la orquesta y los solistas vocales. En un momento especialmente emotivo, la mezzosoprano tuvo que girar a Beethoven para que pudiera ver el aplauso del público.
La revolucionaria Novena
La originalidad de la visión de Beethoven es innegable, al igual que su influencia en los compositores que le siguieron. Sinfonistas desde Mendelssohn hasta Mahler, Shostakovich y Britten aprendieron que la inclusión de un texto podía dirigir la atención del oyente hacia una intención programática o filosófica. Wagner, también vio la combinación de notas y palabras en la Novena como seminal para su propia concepción del drama musical. Por esa razón, Wagner celebró la colocación de la primera piedra de su nuevo teatro en Bayreuth en 1872 con una interpretación de la misma bajo su propia batuta.
Referencias en la Cultura Popular
Referencias en la Cultura Popular
La Novena Sinfonía de Beethoven ha dejado una marca indeleble en la cultura popular, siendo utilizada en una variedad de películas para resaltar momentos de gran trascendencia. Por ejemplo, Stanley Kubrick la incluyó magistralmente en su película «La Naranja Mecánica», donde la pieza acompaña una escena crucial de la narrativa. Asimismo, en la película «Dead Poets Society» (El Club de los Poetas Muertos), la Novena Sinfonía se utiliza para enfatizar la búsqueda de la excelencia y la liberación del espíritu humano.
(Fuente: RevistaClásica BA – Edición Junio 2024).
(Fuente: @mozarteumsanjuan7310).
Publicación Septiembre - Octubre 2024
LA MÚSICA DE AYER A HOY
EL RENACIMIENTO
No hay acuerdo para delimitar cronológicamente el Renacimiento musical. Para unos abarca de 1450 a 1600; otros llevan sus inicios a 1420 y aun antes. Blume fija su conclusión hacia 1570.
Renacimiento, para los historiadores de las artes visuales, suele significar los estilos de pintura, escultura y arquitectura de los siglos XV y XVI. Gradualmente ese lapso más amplio se aplicó a todas las manifestaciones culturales.
En realidad, se trata de una nueva combinación de tendencias y actitudes que ya existían, lo cual hace difícil señalar los límites con el Medioevo. El proceso que florece en lo que llamamos movimiento renacentista viene de atrás, sólo que en esos siglos, aparece estimulado por el impulso y la actividad de la burguesía y por una nueva coyuntura histórica, originada, entre otras causas, por el término del cisma de Occidente, la toma de Constantinopla (1453) y con ello el fin del imperio bizantino; los descubrimientos geográficos y las conquistas ultramarinas; el desmembramiento de la Cristiandad y el desarrollo de los nacionalismos, así como la introducción de la imprenta, entre 1440 y 1480, y la consiguiente difusión de la cultura.
Si a éstas causas se añaden los planteos filosóficos eminentemente críticos, en los cuales se cuestionan las bases espirituales predominantes en la Edad Media, y se agrega aun la reacción en terreno literario contra las bases morales y estéticas de la literatura medieval, se puede suponer que el Renacimiento acarrea un cambio radical de mentalidad, con todas las consecuencias que son de imaginar.
La nueva concepción afirma el culto de la belleza y exalta las facultades del hombre, la vida terrena, la naturaleza. En el campo del arte, la búsqueda de la belleza, en efecto, constituye el principal objetivo del artista, con lo cual se relegan a segundo plano los propósitos didácticos del Medioevo.
El ideal de hombre renacentista, diseñado por Baldassare Castiglione el “Il Cortigiano” (1528), nos habla de una personalidad en la que se aúnan conocimientos intelectuales y artísticos y aptitudes para la acción. Con el Renacimiento ha nacido el nuevo hombre, y con él, el mundo moderno. La exaltación de la tradición cultural grecolatina y la autoridad de los clásicos confería a su vez solidez y raíces aptas al movimiento.
Fueron las cortes y repúblicas italianas el suelo fecundo, dada su cierta estabilidad política, su expansión económica y el genio natural de su pueblo, desde donde se difunden las nuevas ideas, con lo cual Italia se convierte en el modelo preferido de toda Europa. Pero si el Renacimiento constituyó un momento único en la historia del pensamiento y el arte, fue por la coparticipación de culturas de una Europa fecundada por brillantes genios creadores, científicos y eruditos llamados a enseñar a sus semejantes el arte de vivir y de pensar, a través de algo así como una teología de la libertad.
Para abarcar las variadas tendencias de la música en ese lapso, es preciso medir las consecuencias culturales de los acontecimientos antes citados. Conviene recordar que la toma de Constantinopla por los turcos trae aparejada la pérdida de la capital y el último bastión hacia el Este del imperio romano, lo cual significa asimismo el último vínculo visible con el mundo de la Antigüedad. Muchos eruditos bizantinos huyeron a Italia, donde su presencia estimuló el estudio del idioma griego y de su antigua literatura y filosofía.
La invención de la imprenta con tipos móviles y el descubrimiento de América por Colón (1492), seguido de otros viajes de descubrimiento y colonización del hemisferio occidental, fueron dos circunstancias lo suficientemente espectaculares como para marcar toda una época. A ello se añade que la Reforma iniciada por Lutero en 1517 divide la Iglesia en dos grandes ramas, con todas las consecuencias, de índole varia, que ello trae consigo.
En el campo de la música no llegaron a producirse cambios sensacionales. Arriesgado es establecer dónde termina la música medieval y dónde comienza la renacentista, por la carencia de rupturas o de actitudes revolucionarias. Los flamencos darán la definitiva fisonomía renacentista, llevando la polifonía hasta niveles difíciles de superar.
(Fuente: “Historia de la Música” – Pola Suárez Urtubey – Ed. Claridad).
(Fuente: Isaac José Collado Navarro – Centro Específico de Educación a Distancia de la Comunidad Valenciana CEEDCV).
VITTORE CARPACCIO
Vittore Carpaccio nace con toda probabilidad en la mediterránea ciudad de Venecia. Se sabe que Pietro, su padre, era un rico mercader de pieles. La fecha de su nacimiento sigue siendo hasta hoy motivo de controversia. La primera mención aparece en un documento tardío de 1486 relacionado con el pago de un alquiler. Ludwig y Molmenti proponen como fecha los años 1455 – 56, pero dada la trayectoria artística de Carpaccio y su modo de entender la pintura, hay que rechazar esta hipótesis. En este sentido resulta más aceptable la tesis de Tesirio Pignatti quien afirma que el pintor vería la luz en 1460. Desde luego, por los datos que se poseen el artista desciende de una rama de la familia Scarpazza, que ya en 1300 se trasladó a vivir a Venecia. En un principio es muy posible que firmara sus obras con el nombre de Vetor Scarpazo, nombre que sufre una mutación y pasaría a ser Carpathius para italianizarse luego y convertirse en Carpaccio.
Las fuentes documentales que pueden proporcionarnos una referencia de los años juveniles de Vittore Carpaccio son prácticamente nulas, lo que dificulta mucho el estudio de estos años de iniciación del artista ya que apenas se conoce nada respecto a su formación. Algunos estudiosos se inclinan a situarlo como alumno en el taller de Giovanni Bellini y a partir de este momento establecen una hipótesis según la cual el joven aprendiz de pintor acompañaría a su maestro en un viaje a Oriente, posiblemente a Constantinopla.
Hay que tener en cuenta que a pesar de que en sus primeras obras se pueden detectar algunas influencias de distintos artistas, esto no significa que se puedan probar las relaciones de Vittore Carpaccio con otros pintores, ya sea Andrea Mantegna, Perugino, Luca Signorelli, Ghirlandaio o Piero della Francesca. Sin embargo, por su descripción del paisaje urbano de Venecia, abrió camino a pintores como Canaletto.
Sabemos que el artista aún vivía en Octubre de 1525, y por otra parte, por un documento de un hijo suyo, consta que en 1526 había ya fallecido. Sus hijos, Benedetto y Pietro continúan la labor artística de su padre pero carecen de su poesía a la hora de pintar, así como de su sensibilidad y talento.
(Fuente: “Los Genios de la Pintura” – Ed. Sarpe).
(Fuente: ipdeejay).
Podemos apreciar algunas de las obras de Vittore Carpaccio en:
Gallerie dell’ Accademia – Venecia.
Museo Correr – Venecia.
Scuola di San Giorgio degli Schiavoni – Venecia.
Louvre – París.
Brera – Milán.
Publicación Junio - Julio 2024
LA MÚSICA DE AYER A HOY
BORGOÑA
Privilegiada región fue ésta, a la que su ubicación geográfica había convertido en espléndido territorio de arte románico, con muestras excepcionales de arquitectura y escultura en Cluny, Véselay, Paray-le-Monial y Autun, y con pinturas murales como las de Berzé-la-Ville.
En la época histórica que ahora interesa, el centro es Dijon, sede de la corte ducal, de vida refinada y galante. No sólo llegaban a ella grandes artistas que provenían de los Países Bajos, sino también desde I’ILe-de-France, de Normandía y de Inglaterra.
La capilla ducal de Borgoña contaba con un máximo de veintisiete músicos, al principio importados desde París y más tarde traídos desde Inglaterra y la región franco-belga. Además de la capilla, Felipe el Bueno mantenía una banda de ministriles (ejecutantes de trompetas, vielas, laúdes, arpas y órganos) procedentes de Francia, Italia, Alemania y Portugal. Centro cosmopolita, por tanto, con músicos muy viajeros, además, que salían y retornaban con bastante liberalidad, explica que el estilo borgoñón se caracterice por su internacionalismo. Por otra parte, fue un brillo el suyo que no quedó restringido a su propio consumo, sino que estimuló a las más importantes capillas y catedrales de Europa, empezando por la papal de Roma, la del emperador germano o la de los reyes de Francia e Inglaterra.
La figura fundamental de la escuela fue, por encima de todos, Guillaume Dufay. Nació este músico probablemente en 1400 en la provincia de Hainaut, actualmente frontera franco-belga. Formado en uno de los grandes centros religiosos de Francia, en Cambray, muy joven viaja a Italia, para entrar al servicio de Malatesta.
Una vida muy ajetreada lo puso en contacto con los músicos de Bolonia, Roma, Florencia, Nápoles, y le enseñó a formar un lenguaje creativo, a pesar de todo, muy propio, aun dentro de su sabor internacional.
Es autor de gran cantidad de chansons, género en el que marca su impronta. Pero es en el terreno de la música religiosa donde la obra de Dufay alcanza sus mayores definiciones.
Los géneros más cultivados en el siglo xv y que mantendrán inamovible prestigio en la centuria siguiente son la misa, el motete y la chanson.
La música participa asimismo en formas de teatro religioso y profano. El drama litúrgico, que se mantiene en numerosas iglesias, comparte su existencia con una variante derivada de él, que es el “misterio”. Su sede ya no es el templo, sino el aire libre, con lo cual pierde sus vínculos con el oficio. Esa manifestación teatral, que a veces duraba varios días y movilizaba el interés de toda la comunidad, tenía como tema preferido el de la pasión de Cristo. La música, vocal e instrumental, acompañaba la acción, recurriendo a repertorio existente, religiosos o no. También continúa su trayectoria el teatro profano, a través de moralidades y farsas.
(Fuente: “Historia de la Música” – Pola Suárez Urtubey – Ed. Claridad).
(Fuente: Argevigno).
CONCIERTO N° 3 PARA PIANO Y ORQUESTA DE SERGEI RACHMANINOFF
Queridos amigos: los invito a ver, para mi gusto, este hermoso y ¡TREMENDO! Concierto N° 3 de Rachmaninoff interpretado en el piano por una muy joven Martha Argerich. ¡Deseo que lo disfruten!
(Fuente: MMOYNAN).
SERGEI RACHMANINOFF
Rachmaninoff (1873–1943) fue un director muy bien considerado y un pianista excepcional. Fue el último compositor de la gran tradición romántica tardía en Rusia. La mayoría de su música la escribió antes de abandonar Rusia en 1917; algunas de sus sinfonías y conciertos para piano transmiten un anhelo apasionado o gran nostalgia.
Por el despilfarro paterno, la familia se trasladó de una finca en el campo a un apartamento en San Petersburgo. Su educación se interrumpió por la separación de sus padres, así que lo enviaron al Conservatorio de Moscú. Practicaba todo el día con su profesor de piano y se graduó con las mejores notas posibles en composición e interpretación. Su carrera empezó bien: la ópera Aleko se estrenó con muchísimo éxito, pero una interpretación calamitosa de su Sinfonía N° 1 (realizada por Glazunov, supuestamente ebrio) desató críticas mordaces. Durante tres años no pudo componer y se dedicó a dirigir, con una popularidad creciente. Sin embargo, Nikolai Dahl, hipnotizador y músico, lo convenció para volver a componer.
Su reputación como compositor, director e intérprete aumentó. A sus cuarenta años había realizado giras por Estados Unidos, Rusia, Inglaterra y Europa, pero perdió su casa durante la Revolución Rusa y huyó a los países escandinavos. Pasó sus últimos veinticinco años en estados Unidos y Europa, pero su delicada salud le hizo cancelar una gira de conciertos y murió de cáncer.
(Fuente: “Música Clásica” – DK – Editor General: John Burrows).
ALGUNAS “NOTAS” SOBRE MARTHA ARGERICH
(Fuente: Alberto Musitaro).
Publicación Abril - Mayo 2024
CARMINA BURANA
(Fuente: André Rieu interpretando 'O Fortuna' en directo en Maastricht 2012. Tomado del DVD "¡FELIZ CUMPLEAÑOS! Una celebración de los 25 años de la Orquesta de Johann Strauss").
CARL ORFF
Queridos amigos: seguramente conocerán O Fortuna que acabamos de ver, en este caso en la versión (siempre histriónica) de André Rieu. Carl Orff es el autor de la cantata Carmina Burana a la que pertenece O Fortuna. Orff (1895 - 1982) nació en Munich, Alemania. Allí creció y se educó y en 1924 cofundó una escuela de gimnasia, música y danza. Su enfoque práctico enfatizaba la experiencia directa y la participación activa, en especial con voces e instrumentos de percusión simples. Su música refleja la influencia que Stravinsky tuvo en él y su pasión por los escritos clásicos. Se esforzó por crear un lenguaje musical que despertara los impulsos primitivos del oyente: el mundo de sonidos de sus obras está lleno de ritmos de pulsos, percusión y expresión vocal directa, con lo que consigue una atracción sensual y visceral.
(Fuente: “Música Clásica”. Ed. El Ateneo y DK. Editor General: John Burrows).
CARMINA BURANA
Concebida para teatro, pero generalmente interpretada como concierto de oratorio, es una composición basada en textos alemanes antiguos encontrados en el monasterio Benediktbeuern. Sin embargo, su contenido es bastante menos sacro, como indica su subtítulo “Cantiones profanae”.
(Fuente: “Música Clásica”. Ed. El Ateneo y DK. Editor General: John Burrows).
(Fuente: Monitor Fantasma).
LA VERSIÓN COMPLETA
Amigos: seguidamente el video de Carmina Burana en versión completa con subtítulos en español.
¡Toda una provocación!
¡Una burla impresionante!
No dejen de ver esta versión de música e imágenes de “alto voltaje”. Dura 60 minutos. ¡Después me cuentan!
LA MÚSICA DE AYER A HOY
GOLIARDOS – JUGLARES – TROVADORES
A nadie se le ocurre pensar que durante siglos no existió otra música que la ligada a la liturgia. Afuera del templo latía la vida diaria y el pueblo expresaba su alegría a través del canto y de la danza, acompañados por instrumentos sonoros.
Ese universo sonoro aparece históricamente protagonizado por hombres de muy diversa extracción social y procedencia cultural igualmente variada. Se trata de los goliardos, los juglares y los trovadores.
LOS GOLIARDOS
Los ejemplos más tempranos que se conservan de música secular son canciones con textos en latín, pertenecientes al repertorio de los goliardos, cuya acción se ubica en los siglos XI y XII. Los goliardos, cuyo nombre podría provenir del obispo Golias, eran estudiantes o clérigos vagabundos que migraban de una escuela a otra en la época previa a la fundación de las grandes universidades. Despreciados por la gente respetable a causa de su estilo de vida. Estaban dotados de una formación humanística aprendida en el convento. Por tanto, conocían también la ciencia musical. Pero todo aparecía transformado en aras de una espontaneidad insolente y vital.
Los temas de sus canciones giran en torno de las mujeres y del buen comer y beber. Al adquirir notoriedad llegaron a ejercer influjo en la vida cultural inglesa, francesa y especialmente germana desde el siglo XIII.
LOS JUGLARES
Uno de los aspectos característicos del espíritu secular de la Edad Media lo dan las canciones con textos vernáculos, y uno de sus más tempranos ejemplos es la canción de gesta, poema épico-narrativo que relata las hazañas de héroes nacionales. Estos poemas eran cantados en un estilo monódico sencillo, cuyas formas melódicas se repetían hasta el cansancio con los diferentes versos del poema.
Sus intérpretes eran los juglares, una especie de músicos relativamente profesionales que comienzan a surgir alrededor del siglo X. Eran hombres o mujeres que vagabundeaban, solos o en pequeños grupos, de villa en villa, de castillo en castillo, recibiendo escasos beneficios para subsistir, a cambio de cantar, tocar instrumentos, hacer malabarismos y trucos y exhibir animales amaestrados.
En el siglo XI, ellos mismos se organizaron en hermandades, que llegaron a convertirse en corporaciones de músicos profesionales.
Los juglares cantaban, tocaban instrumentos y danzaban con música creada por otros o tomadas por ellos mismos del ámbito de la música popular, aunque realizaban sus propias versiones.
Con la aparición de goliardos y juglares se produce un cambio profundo en la función social de la música, que ahora se aparta de toda funcionalidad mágica, ética o religiosa, para convertirse en entretenimiento en el que participa un binomio original e inédito: el intérprete y el público. El oyente, en suma, que puede ser rey, príncipe, alto dignatario o pueblo anónimo. Su música, parcialmente improvisada, se convierte en inconmensurable transmisor de cultura.
LOS TROVADORES
Estamos ahora ante la imagen del caballero que, con un bello instrumento de cuerdas en sus manos, canta a su amada o exalta las virtudes del heroísmo y del honor. Las cruzadas se convierten en un repositorio de historias que estimulan no sólo la fe y el espíritu de aventuras del caballero medieval, sino su creatividad poética y musical.
Aparecen en el sur de Francia en el siglo XII. El movimiento incluye tanto a miembros de la nobleza como a gente más común, todos unificados por su devoción a la poesía y a la música, al servicio del amor caballeresco. Lo fundamental es el tema del amor. Amor sensual y amor simbólico, idealizado.
En ese lapso de producción trovadoresca se crea el mito del amor cortés, que no es sino una situación poética ideal, estereotipada, en la cual el amante caballero está enamorado de una joven y bella mujer casada, e implora sus favores. Como también la joven lo ama, quedan ligados por un código minucioso, en el cual uno de los elementos esenciales es la discreción. Existe, eso sí, un tercero, un confidente, amigo o familiar.
(Fuente: “Historia de la Música” – Pola Suárez Urtubey – Ed.: Claridad).
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JOAQUÍN SOROLLA
Valencia. Nace Joaquín Sorolla en Febrero de 1863. Su única hermana, Concha, nace un año después. No pasa mucho tiempo sin que grandes sombras caigan sobre sus pequeñas vidas: una epidemia de cólera estalla en la ciudad y en el calor sofocante del verano del 65 muere su madre. Su padre no puede superar este dolor y fallece tres días después. Los hermanos son recogidos y criados por su tía y marido.
En 1888 se casa con Clotilde. La vida familiar proporciona estabilidad e instinto de superación a Sorolla. El matrimonio recién casado se traslada a Asís, Italia. Sin embargo, Sorolla no acaba de encontrarse a sí mismo. De regreso a España, nace en Madrid en 1890 su primera hija, María Clotilde. En 1892 nace su hijo varón, Joaquín y tres años más tarde Elena, la última de sus hijos.
En la mañana del 17 de Junio de 1920 se halla pintando en el jardín de su casa cuando sufre un desvanecimiento. Tres años vive como sin vida sobre un sillón de ruedas. Muere en su casa de Cercedilla el 10 de Agosto de 1923 y es enterrado en Valencia con los honores de Capitán General. Gracias al legado de su viuda y descendientes se fundó en la casa familiar un magnífico museo.
(Fuente: Los Genios de la Pintura – Gran Biblioteca Sarpe).
(Fuente: Museo de Bellas Artes de Valencia).
Frente al mar, Sorolla pinta varios cuadros decisivos: “La vuelta de la pesca” y el tan conocido “Aún dicen que el pescado es caro”, donde representa la muerte de un joven pescador en el mar. Con ambos acude a la Exposición Nacional de 1895. “Aún dicen que el pescado es caro” gana por unanimidad la Primera Medalla.
(Fuente: Los Genios de la Pintura – Gran Biblioteca Sarpe).
(Fuente: Fundación Caja Canarias).
En 1911, La Hispanic Society de Nueva York, encarga a Sorolla el más ambicioso de sus proyectos: decorar el gran salón de su biblioteca con paneles representando a las distintas regiones españolas. Ha llegado la hora de enfrentarse consigo mismo y con su pintura.
Inicia Sorolla el último y más apasionante de sus trabajos, que para muchos es también el mejor. Libre de otros cuidados, se deja materialmente la vida tratando de convertir en cuadros el alma plural de España. Viaja por todas las regiones, busca modelos, realiza estudios y bocetos. Toda su pintura se realiza al aire libre, excepto el panel del Patio Sevillano.
Sin embargo, muy pronto, los lienzos le quedan pequeños. “Esta obra de las Regiones me tiene un tanto contrariado, porque quiero hacer una capa y sólo me han dado tela para una montera. Setenta metros de lienzo. ¿Cómo se puede, por ejemplo, pintar toda Castilla en catorce metros?” Descubre Castilla y se siente hondamente conmovido ante la grandeza de su parda llanura.
En Junio de 1919 termina la grandiosa obra encargada por la Hispanic Society. Comunica la noticia a su familia por telegrama: “Hoy quedó definitivamente cuadro compuesto. Tiene fuerza emocionante. Abraza a todos”.
(Fuente: Los Genios de la Pintura – Gran Biblioteca Sarpe).
(Fuente: Sorolla Visión de España – NY Hispanic Society of America – Thomas Kitts).
LA MÚSICA DE AYER A HOY
EL CANTO GREGORIANO
La expresión canto gregoriano alude al amplio repertorio de música litúrgica codificada por la Iglesia romana como una forma de unificar la práctica del canto en todos sus dominios. Su nombre proviene del papa Gregorio I (el Grande), quien asumió la autoridad máxima de la Iglesia entre los años 590 y 604. Su tarea consistió en recodificar la liturgia, organizar la Schola Cantorum (escuela de canto y coro de cantores ya creada por el papa Silvestre I en el siglo IV) y dar impulso al movimiento que indujo al establecimiento de un repertorio uniforme de cantos para uso en todas las naciones.
La obra de Gregorio Magno se hacía necesaria, desde el punto de vista de la Iglesia, por cuanto la fuerza espiritual del cristianismo, que en el curso de los cuatro primeros siglos de nuestra era absorbió poco a poco un amplísimo espectro de naciones civilizadas, traía aparejada una liberalidad en lo litúrgico y en lo lingüístico y musical, a lo que era preciso poner freno de alguna manera.
Como en el caso de las culturas primitivas y orientales, el canto no fue para la Iglesia temprana una obra de arte, sino un lenguaje que expresaba la Palabra Divina, así como la alabanza y la súplica del hombre ante Dios. La primera forma fue la recitación cantada de los textos sagrados. Esta recitación cantada era confiada a un “lector”, que era a menudo un sacerdote o un obispo.
Con el objeto de tener una participación en la acción litúrgica, los fieles respondían a la lectura por medio de breves refranes o de fórmulas simples, igualmente cantadas. Algunas de las expresiones más comunes eran el “amén”, “alleluia” o “gloria”. Tal es el principio del canto responsorial dentro del ámbito cristiano.
Más tarde comienzan a surgir los “himnos”, para los cuales se escribieron textos nuevos. Estos cantos de plegaria o adoración a Dios proceden se Antioquía (Siria) y Constantinopla.
Pero habría de ser San Ambrosio quien diera al himno en latín una claridad y regularidad capaz de conferirle la inmensa popularidad de que gozó. Así se convierte Milán, al lado de Constantinopla y Roma, en el tercer centro que aglutinó en buena parte las prácticas más corrientes en materia de canto religioso, antes de la unificación de San Gregorio.
San Benito (siglo VI), bajo cuyo impulso se establecen monasterios que se convertirán en verdaderas escuelas de canto, fijó el oficio salmódico divino en horas, repartidas a lo largo del día y de la noche.
Más tarde, y de manera progresiva, se realiza la ordenación litúrgica de la misa y, con ello, de los pasajes cantados. Esto es: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei en el caso del ordinario, o misa común, y el introito, gradual, alleluia, secuencia, ofertorio, comunión, en el caso del propio, es decir variable de una ceremonia a la otra.
(Fuente: “Historia de la Música” – Pola Suárez Urtubey – Ed. Claridad).
EL PÁJARO DE FUEGO
IGOR STRAVINSKY
Stravinsky nació cerca de San Petersburgo, donde su padre era el bajo principal de la Ópera Imperial en el Teatro Mariinski. Bordin, Dostoievski y el futuro profesor de Stravinski, Rimski-Korsakov, eran amigos de la familia.
El talento de Stravisnky al principio no fue obvio, y le obligaron a estudiar Derecho en la Universidad de San Petersburgo, aunque se dedicaba a la música en sus ratos libres. El éxito le llegaría en 1910 cuando Serge Diaghilev, director de los Ballets Rusos, le encargó El Pájaro de Fuego. El estreno del ballet en París, que cosechó un gran éxito, lanzó también la carrera de otro protegido de Diaghilev, el bailarín Vaslav Nijinski. Diaghilev animó a Stravinski a desarrollar su estilo “ruso” encargándole otros ballets, como La Consagración de la Primavera (que veremos en otra entrega de El Ágora de Lili), cuyo estreno provocó altercados entre el público.
Stravinski se unió a la élite artística europea, con la que colaboró en posteriores ballets Picasso, Gide, Cocteau. Se afincó en Suiza y, después, en Francia, y ya nunca volvió a vivir en Rusia. Hacia mediados de su carrera cayó bajo la influencia de la herencia “clásica” europea. Superada una tuberculosis y ante la Segunda Guerra Mundial, se instaló en Estados Unidos, como otros notables emigrantes, en Hollywood.
Seguidamente la Suite de El Pájaro de Fuego con la dirección orquestal del Maestro Claudio Abbado.
LA MÚSICA DE AYER A HOY
LA IGLESIA CRISTIANA EN SUS PRIMEROS TRAMOS
Uno de los capítulos más difíciles de esclarecer en la historia de la música es el que se refiere a establecer con exactitud cuánto debe, y en qué proporción, la Iglesia cristiana a la música griega o a las culturas orientales helenizadas del este del Mediterráneo, y aún al folklore de los distintos pueblos conversos.
La música empleada en el servicio judío se impone como elemento fuertemente gravitante, lo cual parece natural dado que los primeros cristianos eran judíos y adoptaron la misma liturgia acompañada por sus propias manifestaciones sonoras.
Característico de la música judía era el canto de los Salmos, en los estilos responsorial (cuando alternaba el sacerdote con la congregación) o antifonal (cuando alternaban dos coros). Dichos cantos iban acompañados por instrumentos, aún cuando éstos podían tener a su cargo una sección instrumental sin voces. El kinnor, una lira pequeña; un arpa grande vertical (nevel), címbalos de cobre, trompetas y el cuerno (shofar) son los instrumentos asociados a las ceremonias, más tarde, hacia el 541 a. C., se sumaron otros.
Los seguidores de Jesús de Nazareth se formaron en las casas de devoción judías, lo que conduce a una similitud en la función de la música dentro de la liturgia cristiana. Esto significa que al margen de la influencia de la música grecorromana, la formación del canto cristiano se debe en parte bastante importante al canto de la Biblia judía.
(Fuente: Historia de la Música. Pola Suárez Urtubey. Ed.: Claridad).
A continuación, el P. Oscar Maixe Altes en su video, por cierto imperdible, nos cuenta sintéticamente la evolución de la música cristiana.
RODIN
René-Francois-Auguste Rodin nació en París el 12 de Noviembre de 1840 y murió en Meudon el 17 del mismo mes de 1917. De familia pobre, luego de estudiar por cuatro años dibujo y modelado, a los diecisiete años intentó ingresar en la escuela de Bellas Artes, pero fue rechazado en tres oportunidades en los exámenes de admisión. En 1858 se desempeñó como decorador y estucador para ganarse la vida. En 1864, a poco de empezar a trabajar con Carrier-Belleuse, mandó una obra (El hombre de la nariz rota) al salón oficial, que la rechazó. Sus primeras esculturas incluyeron varios retratos de Rose Beuret, una costurera que se convirtió en su compañera de toda la vida y con quien sólo se casó poco antes de la muerte de ambos, sobrevenida con algunos meses de diferencia. En 1871 pasó a Bruselas, para realizar con Carrier-Belleuse trabajos decorativos en edificios públicos. En 1875, a los 35 años, hizo un viaje a Italia que estimuló su creatividad e, impresionado por Miguel Ángel y Donatello, salió de la rutina de la labor decorativa y comenzó a definir un estilo expresivo propio, cuya primera obra, el yeso, El Vencido, tuvo cierto éxito, aunque, por su realismo, no dejó de provocar escándalo en los medios artísticos belgas y en el salón parisino donde fue expuesta en 1877 con el nombre de La Edad de Bronce. Esa obra y San Juan Bautista Predicando (1878) le dieron, para cuando se acercaba a los cuarenta años, en 1880, un comienzo de renombre como escultor. En 1877 regresó a París y presentó, sin éxito, trabajos en varios concursos de proyectos de monumentos públicos.
A pesar de la creciente fama del escultor y de sus éxitos, sus obras a menudo terminaban en serios conflictos. Tal fue el caso de sus monumentos a Víctor Hugo, a Balzac, a Claude Lorrain y al presidente argentino Sarmiento.
A medida que se fue consolidando su fama, Rodin recibió cada vez más encargos y en su taller de Meudon empleaba numerosos asistentes para ejecutar, con su dirección, obras de las que él preparaba el modelo. En la exposición universal de París de 1900 exhibió ciento cincuenta esculturas, además de un gran número de dibujos. Su éxito mundial lo llevó a recibir encargos de los Estados Unidos, Alemania, Inglaterra, Austria y la Argentina, entre otros países. En 1907, junto con Camille Saint-Saëns y Mark Twain, fue hecho doctor honoris causa por la universidad de Oxford.
En 1908 alquiló parte del hotel Biron, una casa parisina del siglo XVIII que, con el tiempo, ocupó completamente, y propuso al Estado francés que la comprara para instalar un museo Rodin a cambio de recibir en donación todas sus obras. Ello se concretó en 1916, el año anterior al de su muerte. Además de esculpir, Rodin ilustró libros e hizo grabados y numerosos dibujos. En 1914 publicó un libro titulado Las Catedrales de Francia.
(Fuente: Rodin en Buenos Aires – Ediciones Fundación Antorchas).
En la ciudad de Buenos Aires es posible apreciar su obra El Pensador emplazada en la Plaza del Congreso y el Monumento a Sarmiento en las avenidas del Libertador y Sarmiento. El Museo Nacional de Bellas Artes posee una importantísima colección, muchas de ellas donadas por la familia Santamarina y otras adquiridas por el propio museo. Y el Museo de Arte Decorativo (Palacio Errázuriz) también exhibe obras de Rodin encargadas por Matías Errázuriz.
El video de John Hall que los invito a ver a continuación es un resumen más que interesante sobre la obra de Rodin.
CUARTETO ARMIDA
El Cuarteto Armida interpreta a Ludwig van Beethoven (1770-1827): Cuarteto de cuerda nº 15 en la menor op.132 Allegro appassionato. Grabado en vivo en Heimathafen Berlin el 16 de abril de 2014. Cuarteto Armida: Martin Funda, violín. Johanna Staemmler, violín. Teresa Schwamm, viola. Peter-Philipp Staemmler, violonchelo. Grabación de sonido en vivo - Clemens Deller. Video: Matthias Heuermann.
Una producción de form-art.tv.
El Cuarteto de cuerda n° 15 en la menor, op. 132 de Ludwig van Beethoven, fue escrito en 1825, estrenado públicamente el 6 de noviembre de ese año por el Cuarteto Schuppanzigh y dedicado al conde Nikolai Galitzin, al igual que las Opp. 127 y 130. El número que tradicionalmente se le asigna se basa en el orden de su publicación. En realidad es el decimotercer cuarteto en orden de composición.
El sobrino de Beethoven, Karl, informó sobre el estreno a su tío: "El cuarteto recibió muchos aplausos y Linke tocó mejor que nunca".
La menor era una tonalidad poco frecuente en Beethoven. Este cuarteto la define no como una tonalidad trágica, sino más bien como de pasión romántica, de ironía y de misterio. Es ésta una característica de la música final de Beethoven y en este caso se puede advertir la deconstrucción de las formas y las normas.
LA MÚSICA DE AYER A HOY
Este espacio invita a un recorrido por la historia de la música a través de las sucesivas publicaciones de El Ágora de Lili. Pretende ser sólo un acercamiento a dicha historia sin ser un estudio exhaustivo. Las ideas principales las tomé de la gran Pola Suárez Urtubey. Pola ha sido profesora en Letras y doctora en Música por la Universidad Católica Argentina. Ha realizado importantes trabajos de investigación musicológica que derivaron en la escritura de cuantiosos libros de la especialidad y ha contribuido con su saber en numerosas publicaciones y cursos del Teatro Colón. En 1999 fue designada Miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes de la Argentina y Miembro de número de la Academia Argentina de la Historia. Pola Suárez Urtubey falleció el 20 de Marzo de 2021 en Buenos Aires a la edad de 89 años.
LA MÚSICA EN LA ANTIGUA ROMA
Roma no llegó a crear una auténtica fisonomía local en su música, por cuanto su desarrollo no se realiza sobre la base de expresiones etruscas, si no más bien es el resultado de particulares adaptaciones de la práctica griega.
Pero, así y todo, es indudable que en los tiempos de la república romana, se incorporaron gran número de instrumentos etruscos, tales como la trompeta recta, la trompa de campana curva, una trompa con vara transversal para sostenerla, que se usaba en el ejército y en los anfiteatros, una flauta de hueso y la flauta traversa.
Alejada la práctica musical romana, durante el imperio, de los altos ideales éticos, se había convertido en una manifestación llamada a menudo a excitar el placer sensorial, de uso, además del culto, en la vida social, el trabajo, el ejército. La tendencia hedonista de la música se veía acrecentada por la exaltación del virtuosismo de instrumentistas y cantantes. Durante la época de esplendor del imperio, gozaban los músicos de gran popularidad, con adhesión multitudinaria en el curso de grandiosos festivales y competencias. Y aún más, en ese panorama suntuoso, brillaban los propios emperadores. Es bien sabido que Nerón aspiró siempre a gozar de fama como músico.
(Fuente: Historia de la Música – Pola Suárez Urtubey).
A continuación los invito a disfrutar de la música e imágenes de la antigua Roma en este video de Milagros Montes Machuca.
OBERTURA 1812
Piotr Ilyich Tchaikovsky nació en una gran familia de clase media en la Rusia provincial. Tras acabar Derecho en San Petersburgo, se hizo funcionario y estudió música por su cuenta. Sin embargo, abandonó su trabajo para centrarse en la música en el Conservatorio de San Petersburgo, y en tres años bajo las enseñanzas de Anton Rubinstein su técnica progresó rápidamente. Se trasladó a Moscú para enseñar y gozó de fama en los círculos artísticos.
Durante catorce años mantuvo correspondencia con Nadezhda von Meck, una viuda rica amante de su música que se convirtió en su base económica (de mutuo acuerdo jamás se conocieron). No obstante, con poco más de cincuenta años, enfermó y, bajo una depresión, encontró la muerte en 1893. La versión oficial decía que bebió accidentalmente agua no hervida y murió de cólera, mientras que otra teoría sugiere que se envenenó por la posible exposición pública por un escándalo homosexual.
Su música intensamente emocional combina varias influencias en un solo estilo: música popular rusa con técnica de Europa occidental, nacionalismo y lo rimbombante con lo inquietante y bello.
A continuación: 1812 Obertura Solemne op. 49 interpretada por la Orchestra e Coro del Maggio Musicale Fiorentino con la participación de la Banda de la Guardia de Finanza Vittorio Sicuri. Maestro del coro: Fulvio Creux. Director: Zubin Mehta. Desde la Plaza del Campo en Siena en 1991 y transmitido por la televisión italiana. ¡Bello!
La traducción de lo que canta el coro es la siguiente: «Oh Señor, salva a tu pueblo y bendice a tus herederos. Garantiza la victoria a los cristianos ortodoxos sobre sus adversarios, y en virtud de tu Cruz, preserva tu Casa. ¡Dios, protege al zar! ¡Fuerte y majestuoso, reina por la Gloria, por nuestra Gloria!"
UNA RAREZA EN BUENOS AIRES
BASÍLICA MARÍA AUXILIADORA Y SAN CARLOS BORROMEO
Este templo tiene fama de ser la iglesia más bella de la ciudad de Buenos Aires. De lo que no cabe duda alguna, es de que se trata de la más colorida, pues su interior es una intensa explosión de rojos, azules y dorados.
Erigida por la orden salesiana para conmemorar las bodas de plata de su misión en la ciudad, la capilla original fue construida hacia principios del siglo XIX por el terrateniente portugués Carlos Dos Santos Valente, quien vivió en la zona hasta 1839. Veinte años después la capilla sería demolida en pos de dar paso a la construcción de la grandiosa iglesia que puede apreciarse en la actualidad y cuya obra fue dirigida por el arquitecto salesiano Ernesto Vespignani, quien llegaría desde Italia en 1901, para construir una iglesia de estilo neo – románico lombardo.
Su piedra fundamental fue colocada el 24 de Junio de 1900. La fachada ostenta los rasgos esenciales de estilo románico con la inclinación en el frente en armonía con la del techo, las pilastras se dividen en tres partes para indicar la repartición interna de las naves, rematándose con graciosos pináculos a manera de templete.
El templo está constituido por dos espacios claramente definidos, la cripta y el templo superior, el cual a su vez está dividido en dos niveles, la nave principal para albergar a los feligreses y las tribunas para el alumnado del colegio aledaño.
Una nota curiosa de esta iglesia es que, tal cual da cuenta una placa que se encuentra en la parte derecha de su exterior, allí cantó Carlos Gardel, alumno e integrante del coro del Colegio Pío IX en los años 1901 y 1902,
(Fuente: Iglesias en Buenos Aires – Rosa Gómez Aquino).
(Video: Prof. Luis Falduti).
LA MÚSICA DE AYER A HOY
Este espacio invita a un recorrido por la historia de la música a través de las sucesivas publicaciones de El Ágora de Lili. Pretende ser sólo un acercamiento a dicha historia sin ser un estudio exhaustivo. Las ideas principales las tomé de la gran Pola Suárez Urtubey. Pola ha sido profesora en Letras y doctora en Música por la Universidad Católica Argentina. Ha realizado importantes trabajos de investigación musicológica que derivaron en la escritura de cuantiosos libros de la especialidad y ha contribuido con su saber en numerosas publicaciones y cursos del Teatro Colón. En 1999 fue designada Miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes de la Argentina y Miembro de número de la Academia Argentina de la Historia. Pola Suárez Urtubey falleció el 20 de Marzo de 2021 en Buenos Aires a la edad de 89 años.
LA HERENCIA GRIEGA
Numerosas leyendas griegas giran en torno de la virtud mágica de la música. Por medio de su arte Orfeo no sólo hace reír y llorar a las personas, sino que domestica a las fieras y conduce los elementos para fines generosos o egoístas. Anfión, hijo de Antíope y Zeus y esposo de Níobe, hija de Tántalo, aparece como el mítico inventor de la música. Al son de la lira se levantaron las murallas de Tebas.
Pero, más allá de lo que ilustran los mitos y leyendas, queda el testimonio irrefutable de filósofos y políticos, de cuyos escritos emerge una concepción superior del poder de este arte. A través de la “doctrina del ethos”, cuyo mayor exponente fue Platón, se advierte cómo el efecto ritual que se le había hasta entonces concedido en las culturas más antiguas, es sobrepasado ahora por su efecto ético. La música conducía al perfeccionamiento del alma y al apaciguamiento de las pasiones.
Es cierto que al actuar sobre la voluntad, sus efectos no siempre eran benéficos. Según la “doctrina del ethos”, ella podía influir de distintas maneras, sea incitando a la acción y conduciendo al fortalecimiento del ser considerado en su conjunto o bien trastornando el equilibrio mental hasta anular la fuerza de voluntad normal y reducir al sujeto a la pérdida de noción de sus actos.
Así se explica que para el Estado griego la música no podía quedar librada al arbitrio de eventuales intérpretes, sino que debía seguir las reglas impuestas por la política del gobierno. Y el hecho de influir sobre el carácter y la voluntad convertían su práctica en un asunto público. La educación debía ocuparse seriamente de seleccionar melodías, ritmos o instrumentos que despertaran sentimientos nobles, rechazando aquellas manifestaciones sonoras que incitaban a la violencia y causaban la decadencia moral de la nación.
Dentro de la teoría musical griega el elemento primario es el tetracordio, vale decir el conjunto de cuatro sonidos. Los griegos conocieron dos notaciones simultáneas: una alfabética, para escribir la música vocal; otra que combina signos autónomos, para la instrumental. Gracias a ella los estudiosos han tenido acceso a una decena de fragmentos anotados. Los más importantes son un trozo coral del Orestes de Eurípides; dos himnos délficos a Apolo, del siglo II a. C., y el epitafio de Seikilos. También de la era cristiana han sobrevivido los tres himnos de Mesomedes (siglo II) y el himno de Oxirrincos (s. III), cristiano, documento este último de valor incalculable pues es la única referencia musical auténtica del período de transición de la Grecia pagana a la Grecia cristiana.
La práctica musical griega se da a través del canto y de sus instrumentos fundamentales: la lira propiamente dicha y su variante de mayor tamaño, la cítara, por una parte; por otra, el aulós, que era el principal instrumento de viento y consistía en un doble oboe de sonido muy penetrante. La lira constituía el instrumento del culto de Apolo y el aulós pertenecía a los fieles de Dionisos. A ello se debe añadir la danza, estrechamente vinculada con la poesía y la música. En el drama, que era la expresión más elevada del culto a Dionisos, el coro no sólo entonaba sus estrofas sino que ejecutaba una mímica danzante en relación con las ideas del poema.
(Fuente: Historia de la Música – Pola Suárez Urtubey).
A continuación dos breves videos sobre parte de lo expuesto a modo de ejemplo.
El primero de Luis Colomer Blasco sobre fragmento de coro de Orestes de Eurípides y su notación.
El segundo: Primer Himno Délfico a Apolo interpretado por Juan Cruz Varela y Patricia Nin.
SCHEHERAZADE
Nikolai Rimski-Korsakov, autor de esta bellísima pieza musical escrita en 1888, nació en Rusia en 1844 y falleció en 1908. Escribió aproximadamente 130 obras musicales. Era miembro del Grupo de los Cinco, cinco compositores cuyo objetivo era desarrollar un auténtico arte musical ruso. La música de Rimski-Korsakov, en gran parte basada en temas del folclore ruso, es célebre por su brillante orquestación. Fue un importante profesor y entre sus alumnos se encuentran Prokofiev y Stravinski.
Como a muchos compositores y artistas rusos, a Rimski-Korsakov le fascinaban las culturas islámicas más allá de las fronteras de Rusia, y las usaba como fuente de inspiración y como una referencia exótica. Scheherazade es una suite en cuatro movimientos. Se basa en el cuento de “Las mil y una noches”, en el que una joven cambia el carácter cruel de un sultán al contarle historias.
Aunque le encantaban especialmente cuatro de esas historias, a las que corresponden los cuatro movimientos, Scheherazade no es del todo descriptiva. Tampoco es sinfónica, ya que no contiene un desarrollo extensivo de los temas. Es más, Rimski-Korsakov la describió como un “caleidoscopio de imágenes de cuentos de hadas y diseños orientales”, en el que la música intenta captar el ambiente de cada historia. Sin embargo, algunas melodías se repiten a lo largo de toda la obra, como el tema que abre el primer movimiento, relacionado con el Sultán, o la sinuosa melodía para violín solista que se escucha poco después, que representa a Scheherazade.
El ballet se inicia con una escena en el harén del Sultán, rodeado de sus mujeres y de su favorita Zobeida. El Sultán, alertado por su hermano, el siniestro Zeman, duda de la fidelidad de sus mujeres y no se deja calmar por Zobeida. A pesar de sus celos y sus malos presentimientos decide salir a cazar. Nada más desaparecer el Sultán, rodeado de sus hombres, las mujeres abren las puertas a sus amantes esclavos y en la orgía resultante Zobeida baila con su favorito, el Esclavo Negro. La inesperada aparición del Sultán y su séquito pone fin a la fiesta que se convierte en una degollina de mujeres infieles y esclavos desleales. Zobeida se adelanta a su suerte, arrebata un puñal a un guardián y se suicida.
La coreografía del ballet pertenece a Michel Fokine. Fue estrenada con decorados y vestuario de León Bakst por los Ballets Rusos de Diaghilev en su segunda gira europea, el 4 de Junio de 1910 en la Ópera de París. Los protagonistas fueron: Ida Rubinstein como Zobeida, Vaslav Nijinsky como el Esclavo favorito, Alexis Bulgákov como el Sultán y Enrico Cecchetti como jefe de los Eunucos.
¡Disfruten de esta maravilla!
LA MÚSICA DE AYER A HOY
Este espacio invita a un recorrido por la historia de la música a través de las sucesivas publicaciones de El Ágora de Lili. Pretende ser sólo un acercamiento a dicha historia sin ser un estudio exhaustivo. Las ideas principales las tomé de la gran Pola Suárez Urtubey. Pola ha sido profesora en Letras y doctora en Música por la Universidad Católica Argentina. Ha realizado importantes trabajos de investigación musicológica que derivaron en la escritura de cuantiosos libros de la especialidad y ha contribuido con su saber en numerosas publicaciones y cursos del Teatro Colón. En 1999 fue designada Miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes de la Argentina y Miembro de número de la Academia Argentina de la Historia. Pola Suárez Urtubey falleció el 20 de Marzo de 2021 en Buenos Aires a la edad de 89 años.
EL ORIENTE ANTIGUO
Es factible distinguir en la música de Oriente cuatro grupos: 1) el Asia oriental, principalmente China y Japón; 2) Indochina y el Archipiélago Índico; 3) India y 4) la cultura arábigo – islámica desde Persia hasta Marruecos. Una distancia grande separa las grandes culturas musicales orientales, a causa de la creación de complejos sistemas de ordenación de los sonidos, sistemas usualmente elaborados dentro de un marco filosófico o de alta especulación. Sin embargo, el hecho de aparecer íntegramente relacionados con concepciones mágico – religiosas supone un relativo parentesco con las comunidades prehistóricas. El músico – hechicero busca alcanzar un estado de embriaguez mediante la repetición continua de movimientos del cuerpo y de palabras. Sólo así, en estado de éxtasis, podrá entrar en contacto con la materia supraterrenal.
El estado de éxtasis y la creencia en sus efectos sobrenaturales se encuentra también en la concepción musical de los pueblos de cultura más elevada de Oriente. Y no sólo la música vinculada con lo mágico – religioso, sino aún las expresiones sonoras profanas. En general, hay una confianza en la fuerza de la música para desviar el curso del mundo y asimismo del destino humano, pues en cada sonido, ritmo y melodía influyen determinadas fuerzas de la naturaleza.
Una idea de la extraordinaria difusión de la música entre las altas culturas de Oriente nos la dan los instrumentos y testimonios gráficos de escenas musicales del período sumérico de la Mesopotamia entre los años 3500 a 2400 a.C. Se puede hablar de liras, arpas arqueadas y angulares, tambores, panderetas, oboes dobles, así como el laúd de cuello largo que aparece en documentos iconográficos de los hititas.
Por su parte la cultura musical egipcia se manifiesta con rasgos propios en tiempos del Antiguo Imperio (2850 – 2160 a.C.), de gran centralización del poder en la persona del faraón, con todos los fastos que ello añadía. Un rico instrumental se registra en ese período, el que incluye una especie de clarinete doble, flautas, distintos tipos de arpas, matracas y cascabeles. La influencia asiática en la época del Imperio Medio aporta la incorporación de nuevos medios sonoros, entre otros la lira. De Siria llega el oboe doble y arpas con un mayor número de cuerdas.
Un capítulo fundamental lo constituye la cultura China. En el Li ki o Memorial de los ritos se expone la doctrina oficial de la China respecto de la música, la cual es para ellos el lenguaje natural del sentimiento y además tiene efectos irresistibles. Como los antiguos griegos, estiman que esos efectos pueden ser previstos por adelantado, ya que están determinados por el estilo y sus procedimientos. Existe una música que inspira la virtud y otra que corrompe las costumbres.
Esto explica que dicho arte sea un medio de gobierno. En la China teocrática y patriarcal, la música es una institución, y como tal cae bajo la gestión del jefe de Estado.
PAUL CÉZANNE
Paul Cézanne nació en Aix – en – Provence el 19 de Enero de 1839. Su padre, Luis Augusto, de origen italiano, era un burgués emprendedor que dio a su familia una buena posición.
En 1852, Paul ingresó en el colegio Borbón. Allí recibió una esmerada educación humanista y sobre todo trabó profunda amistad con dos de sus compañeros: Emilio Zola y Bautista Baille, que tuvieron una importancia decisiva en su vida artística. Precisamente en esa época, alrededor de 1856, se afianzó su pasión por la pintura, aunque la partida de Zola hacia París le provocó un período de inquietud, únicamente roto por la correspondencia que mantuvieron.
En 1861 Cézanne venció la hostilidad paterna y consiguió permiso para trasladarse a París a estudiar pintura. Se inscribió en la Academia Suiza donde conoció a Pissarro, entre otros. Pero desanimado por los resultados de su trabajo, volvió a Aix y se puso a trabajar en la Banca de su padre.
A finales de 1862 insistió en la aventura de París y Zola lo introdujo en el ambiente de los impresionistas. Frecuentaba todavía la Academia Suiza y el café Guerbois (punto de reunión de los artistas), pero sobre todo pasaba largas horas en el Museo de Louvre. En esa época su pintura podría definirse como romántica: temas dramáticos, fantasía oscura y gran sensualidad eran sus características. Su afición por los tonos más oscuros que reavivaba a veces con luces y relieves blanquecinos, mostraban su interés por los pintores españoles e italianos clásicos (El Greco, Zurbarán, Tintoretto).
Hasta 1870, Cézanne alternó la vida parisina con largas estancias en Provenza. En 1863 visitó con Zola el Salón de los Rechazados y allí pudo admirar a Manet, pero sobre todo se sintió atraído por Courbet y Delacroix. Más que redondear volúmenes, el Cézanne de aquella época realizaba sus cuadros con pinceladas desordenadas y golpes de espátula. Su carrera artística se desarrollaba bajo el signo del fracaso. En 1866 el jurado del Salón (Exposición de París) rechazó su admisión y Cézanne escribió una violenta carta de protesta al director de Bellas Artes. Hasta 1882 sería excluido sistemáticamente.
El estallido de la guerra franco – prusiana y de la Comuna encontraron a Cézanne lejos de París, refugiado en una villa cerca de Marsella, completamente absorto en la investigación artística. Con él se encontraba Hortensia Fiquet, una modelo que conoció en París y con quien tuvo un hijo, también llamado Paul, en 1872.
Estimulado por Pissarro, Cézanne se trasladó en 1872 a Pontoise. Las sesiones de trabajo al aire libre aportaron profundas transformaciones a su pintura: la paleta se aclaró, el aire y la luz empezaron a circular sobre la tela y las pinceladas se fraccionaron en toques impresionistas.
De 1873 a 1874 Cézanne vivió en Auvers – sur- Oise. Este fue un período de intensa actividad creativa que terminó con la participación en la primera Muestra de los Impresionistas en Abril de 1874, donde fue admitido por intercesión de Pissarro. Tres cuadros de Cézanne en este Muestra desencadenaron las reacciones más feroces de la crítica.
Hasta 1879 permaneció fiel al lenguaje impresionista y en 1877 se dejó convencer para exponer en la tercera Muestra. Tampoco esta vez fue comprendido su trabajo, ni siquiera por los poquísimos críticos favorables al impresionismo.
Si se compara la obra de Cézanne con la realizada por los impresionistas en los mismos años parece claro que su pintura poseyó siempre un lenguaje mucho más personal. No se dejó llevar por el vértigo de las sensaciones puramente ópticas y escogió siempre con cuidado el punto de vista para sus paisajes. Además, mantuvo intacta la noción de los volúmenes para que éstos no quedaran difuminados en la atmósfera creada por la luz y el color. Sus pinceladas, aunque uniformes y divididas al estilo impresionista, tendían sobre todo a representar la estructura de las formas, su esencia formal.
A partir de 1879 Cézanne se fue alejando progresivamente del lenguaje impresionista y aunque mantuvo continuos contactos con sus amigos, se negó siempre a exponer de nuevo con ellos. Cada vez se buscaba a sí mismo con más insistencia y se encontraba con mayor acierto. Resultaba evidente que la pintura de impresiones ópticas no era lo suyo y la fue sustituyendo por una pintura de sensaciones.
A partir de 1888 su arte alcanzó un total dominio de los medios que se tradujo en una serenidad plena, muy contrastada con el carácter tormentoso de su época precedente. También su vida trascurría más tranquila. Además, la muerte de su padre, ocurrida en 1886, le había puesto a cubierto de cualquier preocupación económica.
Después de 1890 el artista se encerró en un huraño aislamiento en Aix. Su interlocutor favorito era la montaña Santa Victoria, su motivo pictórico por excelencia, al que dedicó sesenta composiciones. Hizo que en estos paisajes reinara la más completa libertad y que todo apareciera con maravillosa soltura. Sin embargo cada pincelada obedecía a un riguroso orden de composición. Así, la geometría que una vez fuera su destino final, se convertía ahora en punto de partida, para superar en la completa asimilación de la forma a la luz y al color.
Un síncope, al que siguió rápidamente la muerte, le sorprendió de pronto, durante su cotidiano encuentro con la montaña Santa Victoria. Era el año 1906.
(Fuente Biblioteca Sarpe).
LA MÚSICA DE AYER A HOY
Este espacio invita a un recorrido por la historia de la música a través de las sucesivas publicaciones de El Ágora de Lili. Pretende ser sólo un acercamiento a dicha historia sin ser un estudio exhaustivo. Las ideas principales las tomé de la gran Pola Suárez Urtubey. Pola ha sido profesora en Letras y doctora en Música por la Universidad Católica Argentina. Ha realizado importantes trabajos de investigación musicológica que derivaron en la escritura de cuantiosos libros de la especialidad y ha contribuido con su saber en numerosas publicaciones y cursos del Teatro Colón. En 1999 fue designada Miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes de la Argentina y Miembro de número de la Academia Argentina de la Historia. Pola Suárez Urtubey falleció el 20 de Marzo de 2021 en Buenos Aires a la edad de 89 años.
LA MÚSICA DE LOS PRIMITIVOS
Resulta totalmente ajeno a aquellos pueblos primitivos el considerar la música como un hecho artístico. Su función es religiosa y social. Es de transmisión oral, no escrita, y su conocimiento recae a menudo en seres que se proclaman "elegidos" por medio de poderes sobrenaturales. Esto significa que una cantidad muy importante de esa música aparece ligada a ritos iniciáticos, a ceremonias vinculadas con la fertilidad, con la curación de enfermos, con la atracción o rechazo de espíritus benéficos o malignos, etc. El músico es un intermediario entre el hombre y los dioses. Este músico - hechicero es el poseedor de todo un repertorio de cantos, del cual extraerá aquel que convenga en cada caso. Es común que sea ayudado por la comunidad, a quien indica previamente cuál es el canto que corresponde. De ahí que el estilo responsorial (alternancia de solista y "respuesta" coral) esté sumamente difundido entre las comunidades primitivas.
La música tiene asimismo un carácter utilitario colectivo, como ocurre con los cantos de trabajo, donde el ritmo marca la periodicidad y el grado de lentitud o velocidad de los movimientos, sea para la acción de remar o de pisar granos, por ejemplo.
A continuación les ofrezco dos videos a modo de complementar y ejemplificar parte de lo descripto.
MOLIERE 400 AÑOS DESPUÉS
Este año conmemoramos los 400 años de Molière, quien nació el 15 de Enero de 1622. Su obra no ha perdido vigencia a pesar de los años transcurridos. A continuación una pequeña semblanza de su vida artística.
Jean-Baptiste Poquelin, Molière, fue un dramaturgo y actor francés autor de las obras más transcendentales de la literatura universal como Tartufo, Don Juan, el Avaro y El enfermo imaginario. Fundó en 1643 L'Illustre Théâtre, una compañía que intentó establecerse en París, sin embargo el proyecto fracasó en 1645 por falta de medios, y Molière permaneció unos días arrestado debido a sus deudas.
Es así que, durante 13 años, recorrió las regiones del sur de Francia con el grupo encabezado por el escritor Abel Dufresne (1788-1862). Finalmente, la compañía logró establecerse en París en 1658, y obtuvo su primer éxito importante con la sátira Las preciosas ridículas, un año después.
La escuela de las mujeres en 1662 fue su primera obra maestra, con la que se ganaría el favor de Luis XIV.
En 1663, presentó los tres primeros actos de Tartufo. El sentido irreverente y sacrílego que sus enemigos veían en sus obras generó una agria polémica que terminó con la prohibición de la obra. Esto mismo sucedió con Don Juan o El festín de piedra, después que sólo fue representada en 15 ocasiones.
Acosado por la Iglesia, el principal apoyo de Molière era el favor del rey, que, sin embargo, resultaba caprichoso porque no se le pagaban las pensiones que se le prometían, además que el autor tuvo que responder a las incertidumbres económicas de su compañía.
El gran mérito de Molière consistió en adaptar la Commedia dell'arte a las formas convencionales del teatro francés, y en luchar contra las hipocresías de su época a través de la ironía.
Durante la cuarta representación de El enfermo imaginario en 1673, el dramaturgo sintió dolores violentos y tras ser trasladado al hospital, murió un 17 de febrero.
Hoy en día Molière es el autor francés más leído del mundo.
QUEEN SINFÓNICO
Seguramente muchos de ustedes saben que Freddie Mercury fue un gran músico muy amante de la ópera, de la cual era un gran conocedor. “Bohemian Rhapsody” comenzó siendo un divertimento con el que Freddie introdujo la ópera en su álbum “A Night At The Opera” y ya sabemos en el éxito que se convirtió. Tiempo después de su muerte diversas orquestas interpretaron los temas de Queen en formato sinfónico. Los dejo con una versión para escuchar de la Royal Phihlarminic Orchestra.